EXIBITION

The Mexico edition highlights include Gustavo Matamoros’ site-specific sound installation that activates the architecture of the exhibition space through harmonic resonance and directional audio. Hugo Solís introduces a new piano-based sound work that reimagines the instrument as both historical symbol and object in flux, bridging acoustic tradition and digital modernity. Alba Triana’s immersive kinetic sound installation is exploring the unseen natural forces shaping our environment through a probabilistic system that evokes a living, self-generating organism. The exhibition will also showcase a selection from the CYLAND Audio Archive, curated by Lidiia Griaznova and Sergei Komarov—experimental sound works available for playback on a turntable.

The video art section of the exhibition features a pioneering video installation by Fabrizio Plessi; a transdisciplinary mixed reality project from Korea by Anna Kim that incorporates motion capture technology to merge real and virtual environments, challenging spatial and temporal boundaries; a work by Kira Kim examines the complex relationship between individuals and society through metaphorical depictions of sensory disconnection; and single-channel video by Taiwanese artist Mu Tuan, which applies machine learning to a vast archive of handwritten drafts, merging traditional calligraphy with contemporary algorithmic aesthetics.

The exhibition features kinetic and interactive installations such as Anna Frants’s kineographs, which animate mechanical memory, blending nostalgic imagery with kinetic motion; memory and transformation take center stage in Alexandra Dementieva’s interactive installation that visualizes the fragmentation of memory over time, while Elena Gubanova & Ivan Govorkov’s poetic work reflects on human transience and our cosmic origins. The exhibition also includes works by Liudmila Belova, Alexey Grachev, Andreas Gysin, Heejeong Jeong, Sergei Komarov & Lidiia Griaznova, Mariateresa Sartori, Dmitriy Shishov, Eric Vernhes, and Mathieu Zurstrassen.

Los destacados de la edición en México incluyen la instalación sonora site-specific de Gustavo Matamoros que activa la arquitectura del espacio expositivo a través de resonancia armónica y audio direccional. Hugo Solís introduce una nueva obra sonora basada en piano que reimagina el instrumento tanto como símbolo histórico como objeto en flujo, conectando la tradición acústica y la modernidad digital. La instalación sonora cinética inmersiva de Alba Triana explora las fuerzas naturales invisibles que dan forma a nuestro entorno a través de un sistema probabilístico que evoca un organismo vivo y autogenerativo. La exposición también presentará una selección del Archivo de Audio CYLAND, curada por Lidiia Griaznova y Sergei Komarov—obras sonoras experimentales disponibles para reproducción en tocadiscos.

La sección de videoarte de la exposición presenta una instalación de video pionera de Fabrizio Plessi; un proyecto transdisciplinario de realidad mixta de Corea por Anna Kim que incorpora tecnología de captura de movimiento para fusionar entornos reales y virtuales, desafiando los límites espaciales y temporales; una obra de Kira Kim que examina la compleja relación entre individuos y sociedad a través de representaciones metafóricas de la desconexión sensorial; y un video monocanal del artista taiwanés Mu Tuan, que aplica aprendizaje automático a un vasto archivo de borradores manuscritos, fusionando la caligrafía tradicional con la estética algorítmica contemporánea.

La exposición presenta instalaciones cinéticas e interactivas como los cineógrafos de Anna Frants, que animan la memoria mecánica, mezclando imágenes nostálgicas con movimiento cinético; la memoria y la transformación toman el centro del escenario en la instalación interactiva de Alexandra Dementieva que visualiza la fragmentación de la memoria a través del tiempo, mientras que la obra poética de Elena Gubanova e Ivan Govorkov reflexiona sobre la transitoriedad humana y nuestros orígenes cósmicos. La exposición también incluye obras de Liudmila Belova, Alexey Grachev, Andreas Gysin, Heejeong Jeong, Sergei Komarov & Lidiia Griaznova, Mariateresa Sartori, Dmitriy Shishov, Eric Vernhes y Mathieu Zurstrassen.

Liudmila Belova

Pastorale

installation, 2016 3D modeling, 3D printing, video [MPEG4, color, sound, loop]; fifteen 3D printed figures, LCD screen, media player; acrylic glass, small antique side table Engineer: Alexey Grachev Supported by CYLAND MediaArtLab In the installation Pastorale copies of a porcelain shepherdess produced by a 3D printer are arranged on a screen that reproduces a video imitating a flowery meadow. The sound is a compilation of the music of Jean-Baptiste Lully and the chirping of “electronic birds”. If a traditionally understood pastorale is the peaceful bucolic scene lit by bright sunlight, the digital pastorale is a digitized world behind the looking-glass that represents what is absent in reality, the reflection’s reflection. Instead of sunshine flooding idyllic landscapes, the digital spaces glimmer with the cold silver of the Moon—the reflected light of the Sun. The pastoral music of Lully appeases the spectator who sees a multitude of absolutely identical “shepherdesses” dancing on the grass that is breaking up into pixels. The birds’ chirping creates the atmosphere of a joyful sunny day and invites us into this new digital world which dazzles us with its beauty, goodwill and absence of borders. Liudmila Belova is an artist and curator based in St. Petersburg and Montenegro. She works with video, sound, painting, and photography, investigating issues of memory, space and time and studying the impact of new technologies on the human being in art practices by making the viewer a participant of the art process. Participant of more than 50 local and international group exhibitions and festivals including the Moscow Biennale of Contemporary Art (2005, 2011, Russia) and the parallel program of the Manifesta 10 Biennale (St. Petersburg, Russia, 2014). Since 2011, she has been a regular participant in exhibitions parallel to the Venice Biennale. Winner of the prize “50 Bestern” ZKM (2000, Karlsruhe, Germany) and of the Sergey Kuryokhin Award (2017, Russia). Her works are held in the collections of the Russian Museum, the Anna Akhmatova Museum, the Kolodzei Art Foundation (New York, USA), and in numerous private collections.

CYLAND Audio Archive

selection of records from CAA, 2013 — ongoing 25 records, turntable, headphones Supported by CYLAND MediaArtLab The CYLAND Audio Archive (CAA) is a division of CYLAND MediaArtLab, created to investigate archiving and exhibiting methodologies of sound art. This archive is a continuous process of working on a structure of various subgenres of sound art, making compilations, and cataloging the growing archive. To date, there are 59 releases, including works by more than 80 international artists. All the records are available for listening on cyland.bandcamp.com. Each release presented is a stand-alone piece accompanied by an artist statement. Source material for artists varies from existing records—personal or found—filed records, machine signals, or sounds extracted from revitalised devices, which were initially completely strange to sound creation in the first place and turned into sound machines. All of them are reflected and conceptualised by artists, collected together into a contradictory and rich picture of sound to memorise and fix the experience of being present in the world. Where sound—recognised or completely strange—will escape being fully possessed but remains an environment shared by people who heard it together. That is how memories form, building blocks for infinite variations of archives. —Sergei Komarov and Lidiia Griaznova The CYLAND Audio Archive (CAA) is a division of CYLAND MediaArtLab, created to investigate archiving and exhibiting methodologies of sound art. This archive is a continuous process of working on a structure of various subgenres of sound art, making compilations, and cataloging the growing archive. To date, there are 59 releases, including works by more than 80 artists. All the records are available for listening on cyland.bandcamp.com. Each release presented is a stand-alone piece accompanied by an artist statement.

Alexandra Dementieva

Memory's Chopper

interactive object, 2024 3D modelling, 3D printing, welding, laser cutting; Arduino, Fusion 360; custom controller board, paper shredder, plexiglass, steel, fan, air blower, A6 color paper Engineers: Denis Markov, Alexey Grachev Supported by CYLAND MediaArtLab Imagine our psyche as a delicate sheet of paper, passed through the shredder of time and experience. Each event leaves its mark, tearing our sense of self into countless pieces. Then, like a gust of wind from a fan, our memories are swept up and swirled around, mixing and mingling until they become almost unrecognizable. As we attempt to retrieve these fragmented memories, we may find that only snippets remain intact. Perhaps it's the warmth of a sunny afternoon, the sound of laughter in the air, or the sting of a painful loss. These “extraits” serve as glimpses into the past, offering tantalizing hints of the emotions we once felt. But as time marches on, even these fragments can become blurred and distorted. Like a tornado gathering strength, our memories twist and turn, reshaping themselves with each passing day. What was once crystal clear may now be muddled and indistinct, clouded by the passage of time and the haze of our own perceptions. Despite the inevitable erosion of memory, there is a beauty in the chaos of our archive of feelings. It is a testament to the richness of human experience, the complexity of emotion, and the resilience of the human spirit. Our memories may be imperfect, but they are uniquely ours, shaped by the ebb and flow of life itself. So, as we navigate the labyrinth of our memories, let us embrace the fragments, the whirlwinds, and the tornadoes. For within their swirling depths lies the essence of who we are, a kaleidoscope of feelings and impressions that make us truly human. Alexandra Dementieva’s main interests focus on social psychology and perception and their application in multimedia interactive installations. Her artistic research process happens in the here and now, in the increasingly technologized present. It is deeply rooted in its cultural context. Photography and other digital media always record a trace, which indicates the former presence of something. Attesting to a certain event the trace at the same time enshrines the technology in use, thus acting as a witness to contemporaneous culture. In a similar manner, she tends to reflect on behavioral patterns and cultural mechanisms that are characteristic of contemporary society. Her works can be found in Museum collections and were exhibited around the world. She is a founder and director of LASER Talks Brussels and she teaches in Brussels Fine Arts Academy.

Anna Frants

To Make a Long Story Short

from Series “Simple Pleasures” installation, 2024 kineographs, robotics, mixed media Engineers: Philipp Avetisov, Eugene Pavlov, Eugene Ovsyannikov, Dmitry Shirokov Supported by CYLAND MediaArtLab 30 years ago, when I just came to the United States, one of my first jobs was at a photographic store. Among the services offered, there were development of B/W films copying and retouching of old photographs. During several years of work, hundreds of images passed through my hands and, whether you like it or not, what you saw becomes a part of you. I came upon images from various times: 18th, 19th and 20th centuries. Mainly, those were individual, family and group photographs, portraits of the military and pictures from the Victorian Age when photographs were done with the deceased family members in them. There were some curious incidents: once I was handed an envelope with photographs that contained a note: “Be careful. The photos are really old; they date back to 1715.” (Daguerreotype, by the way, was invented in 1839). Those images stuck in my memory. What astounded me was the fact that practically all the images were alike. It is interesting that, despite the geographic origins of those who were depicted on a photograph, it was impossible to determine where they were from (unless the architecture got captured in a frame). It was impossible to figure out whether they were immigrants from Armenia, Russia, Sweden, Italy or Ireland. It was also impossible to determine on the photographs from different countries where they were taken at the time. Scientists claim that if the brain saw something, it would stay with it for the rest of one's life. However, the fore-conscious* plays its role as well… *Fore-Conscious is a term that indicates the perceptions, thoughts and memories that, while not being part of our current conscious experience, are still remain available for comprehension. Anna Frants is an artist, curator in the field of media art. She graduated from the Vera Mukhina Higher School of Art and Design (Leningrad, USSR) and Pratt Institute (New York, USA). Founder of the nonprofit cultural foundation CYLAND Foundation Inc. Cofounder of CYLAND MediaArtLab and CYFEST. Frants’ interactive installations have been showcased at Museum of Art and Design (New York, USA), Video Guerrilha Festival (Brazil), Manifesta 10 Biennale (2014, St. Petersburg, Russia), Hermitage Museum (St. Petersburg, Russia), Chelsea Art Museum (New York, USA), Russian Museum (St. Petersburg, Russia), Kunstquartier Bethanien (Berlin, Germany), Hatcham Church Gallery, Goldsmiths, University of London (UK), Dartington Estate (UK), Ca’ Foscari Zattere Cultural Flow Zone (Venice, Italy), MAXXI Museum (Rome, Italy), National Arts Club (New York, USA) and at other major venues all over the world. The artist’s works are held in the collections of the Russian Museum (St. Petersburg, Russia), Museum of Art and Design (New York, USA), Sergey Kuryokhin Center for Modern Art (St. Petersburg, Russia) and Kolodzei Art Foundation (New York, USA) as well as in numerous private collections. She lives and works in Miami, USA.

Alexey Grachev

Weather Station 1, Atmospheric-Acoustic Transducer

sound art object, 2012 vintage aluminum case, stand, speaker, microcontroller, Arduino and Max/MSP; programming, Mac Mini, environmental sensors Engineers: Alexey Grachev, Sergei Komarov Supported by CYLAND MediaArtLab Weather Station No. 1: Atmospheric-Acoustic Transducer is an atmosphere-to-sound converter. Designed to convey information about environmental changes in the absence of visual cues, it generates sound based on input data such as atmospheric pressure, humidity, temperature, and more. With Weather Station No. 1, Alexey Grachev explores what the interpretation of data streams can reveal. Using atmospheric inputs from various sensors as a compositional foundation, the work delves into the subliminal poetics of space. Algorithmic music, structured through simple rule-based processes, unfolds continuously — shaped by real-time environmental change. Alexey Grachev is a media artist, engineer, computer programmer, musician and performer. Graduated from the Bauman Moscow State Technical University (Russia). Completed the School for Young Artists program at the Pro Arte Foundation (St. Petersburg, Russia). Grachev is the technical director and chief engineer of CYLAND MediaArtLab. Participant of the World Event Young Artists Festival (2012, Nottingham, UK), CYFEST (numerous times), special project Urbi et Orbi at the 6th Moscow Biennale (2015, Russia), The Creative Machine 2 exhibition at Goldsmiths, University of London (2018, UK), ID exhibition parallel to the Venice Biennale (2019, Venice, Italy). Participant of the Arts Work of the Future project at the Tate Exchange space (2018, London, UK). He has delivered lectures and workshops in several educational and cultural institutions in Russia and internationally.

Elena Gubanova & Ivan Govorkov

Stardust

installation, 2024 3 channel video [00:00:30, b/w, sound]; 3 screens; 3D modelling, 3D printing, welding, Arduino programming, stepper motor, stepper driver, magnet, custom-made circuit board, steel, heavyweight wool coat, hanger, carpet beater Engineers: Alexey Grachev, Yuriy Avdeev, Dmitriy Shishov Video engineer: Anton Khlabov Supported by CYLAND MediaArtLab A man's life is but a moment in infinity—like dust floating in the stream of time. Turning to our memories, we seem to beat them out of ourselves like an old dusty coat, sometimes admiring their brightness, sometimes choking on their suffocating corrosiveness. Each of us comes into this world following our unique path, but in the end, we all return to our starting point—stardust. Understanding this, we can feel the vulnerability and significance of our existence. We are made of dust, but we are also a part of the dust of stars, of which we remain a part forever. Elena Gubanova is a visual artist and curator who works in the fields of painting, sculpture, installation, and video art. As a curator, she is engaged in CYLAND MediaArtLab projects. Since 2013, her works have been exhibited at major Russian and international venues, including the Hermitage Museum (St. Petersburg, Russia), Russian Museum (St. Petersburg, Russia), Tretyakov Gallery (Moscow, Russia), University Ca’ Foscari (Venice, Italy), Goldsmiths, University of London (UK), Chelsea Art Museum (New York, USA), Kunstquartier Bethanien (Berlin, Germany) and National Arts Club (New York, USA). Participant of the Manifesta 10 parallel program (2014, St. Petersburg, Russia) and several exhibitions parallel to the Venice Biennale (since 2011, Venice, Italy); frequent participant and curator of CYFEST. Awarded with the Sergey Kuryokhin Award (Russia) for "Best Work of Visual Art" (2012, jointly with Ivan Govorkov) and "Best Festival in the field of Contemporary Art" (2018). Since 1990, she has been working in collaboration with Ivan Govorkov. She lives and works in St.Petersburg, Russia. Ivan Govorkov is an artist engaged in philosophy, psychology, painting, drawing, sculpture, and installations; he works at the junction of traditional art and cutting-edge technologies. Professor of drawing at the Saint Petersburg Repin Academy of Arts. His works have been exhibited at major Russian and international venues, including the Hermitage Museum (St. Petersburg, Russia), Russian Museum (St. Petersburg, Russia), Tretyakov Gallery (Moscow, Russia), University Ca’ Foscari (Venice, Italy), Goldsmiths, University of London (UK), Chelsea Art Museum (New York, USA), Kunstquartier Bethanien (Berlin, Germany) and National Arts Club (New York, USA). Participant of the Manifesta 10 parallel program (2014, St. Petersburg, Russia) and several exhibitions parallel to the Venice Biennale (since 2011, Venice, Italy); frequent participant of CYFEST. Awarded with the Sergey Kuryokhin Award (Russia) for "Best Work of Visual Art" (2012, jointly with Elena Gubanova). Since 1990, he has been working in collaboration with Elena Gubanova. He lives and works in St. Petersburg, Russia.

Heejeong Jeong

Sweet home

2-channel video installation, 2021 video [08:30, colour, sound, loop]; Video, Graphic, Editing: Heejeong Jeong Sound: HyunTae Lee In the 1960s, Korea began to build apartments as part of an economic development policy that came with the rise of an authoritarian government. Mountains and rivers were covered, and the entire country became the same residential space. The apartments that have become Korea’s representative residential space today are not simply homes, but the inevitable pinnacle of economic and cultural desires. The panorama, which is a collage of photographs, shows the abandoned and alienated landscapes of the outskirts during this process. Like an inverted glove, the back of the place where the outside is projected upside down reveals the flow of desire and aspiration for a home. Will she, who spent her childhood in a house with a yard before the development boom, be able to realize her lifelong dream of a small garden where she can grow her own food? Through landscapes pushed aside by development and the story of a woman dreaming of a home with a garden, this panorama asks: what kind of “home” do we truly long for? Heejeong Jeong was born in Seoul, Korea in 1975. She holds an MFA in Digital Media Design from Hongik University’s International Design School for Advanced Studies and is actively working in the field of video art. Her work reveals unexpected dangers and alluring moments in everyday life through distinctive color palettes, compelling compositions, and symbolic imagery that resists easy interpretation. She was invited to CYFEST16 in Yerevan in 2024 and has participated in numerous group exhibitions and screenings, including VIDEOFORMES in Clermont-Ferrand and the Torrance Art Museum in Los Angeles. In 2017, she received the Audience Award at the Seoul International NewMedia Festival for her work Red Room. / nnanna.com

Anton Khlabov

Imaginary Center of a Circle

video art, 2024 full HD video [00:00:00, b/w, loop] mix of vector graphics, photo-based animation, static photo images The realization of any grand plan is often the most vivid illustration of how human thought is flexible and changeable. When beginning to bring to life a concept that once seemed ideal, we invariably encounter the fact that the ideal has already changed before it was fully materially embodied. The video Imaginary Center of a Circle is based on a series of photographs about urban fabric, its folds and curves, recurring motifs and fragments that with their sectors and circle segments try to form into the perfect shape, but ultimately turn out to be merely a reflection of the dream that contradictory and diverse elements of the world can be composed into something unified, just like the urban plan of modern Yerevan, originally conceived as the perfect circle of a garden city, in the end… Anton Khlabov was born in 1986 in St. Petersburg (Russia), currently lives and works in Yerevan, Armenia. Photographer, video and multimedia artist. Graduated from Institute Pro Arte in “New Technologies in Modern Art” program. His video works often combine photo-based animation, geometric abstraction and results of processing, analyzing, and researching of architecture, urban environments, and the structures of spaces created by humans. The works of the artist were presented at exhibitions in numerous countries, participated in international festivals and biennales around the world. /khlabov.site

Anna Kim

Invisible Cities: <OPIM>

VR (Performance), 2021 Unity, Python, HMD (Quest) Direction and graphics: Anna Kim Music: Park Sungmin Choreography: Ko Dahee, Kim Yujin Dance: Ko Dahee, Kim Sohee, Kim Yujin, Kim Hyunjoo, Jang Haram Technical Support: ManiaMind Invisible Cities: is a transdisciplinary collaborative mixed reality using motion capture technology. Initially showcased as a live performance, it is an artistic experiment that allows both artists and viewers to overcome spatial and temporal boundaries through merge of the real and virtual. The project was organized to have artists of different genres (a writer, a media artist, a composer, and a choreographer) come together in a fashion similar to the surrealist game of “exquisite corpse” allowing for each contribution to overlap those of others’ rather than adhering to an unidirectional output. Created against the backdrop of the turbulent socio-economic landscape during the COVID-19 pandemic, the surreal landscape of attempts to open up a new psychical horizon about a new world to come. It is a journey onto the alien nebula “Aldalbach” in the collaborator Sim Na-wool’s story, Virtual Love, a virtual city built upon a phantasm beyond the graspable reality which unfolds in the work. is a virtual world that consists of imaginary subsistence. Anna Kim is a media artist who explores the interaction between humans and the environment through technology. Her work investigates artistic possibilities by observing environmental and social phenomena, which she embodies through digital storytelling and simulative practices. Her creations focus on alternative narratives, using various technologies in subversive and critical ways to explore new trajectories for the future. Her notable exhibitions include “Digital Resonance” at the Gwangju Media Art Platform (2022), “Seoul Convergence Art Festival Unfold X” at S Factory (2022), “Sustainable Museum: Art and Environment” at the Busan Museum of Contemporary Art (2021), the Open Media Art Festival “Black Swan: Unpredictable Future” at Oil Tank Culture Park (2020), and “Media Anatomy” at the Total Museum of Contemporary Art (2020). / an-kim-na.com

Kira Kim

Blind and Mute

single channel video, 2023–2024 video [00:09:48, color, sound, loop]; 65” screen, headphones Blind and Mute explores the relationship between individuals and society, portraying people who, while capable of hearing and speaking, are blind to the world, or those who can see the present but cannot speak or hear, as well as the unstable and fluid nature of society. Additionally, through artistic expression, the piece raises questions about human connection, resilience, and the limitless potential of human expression beyond sight and sound as It draws significant inspiration from the exploration of historical events, emotions, and memories. This work also emphasizes deeply on human suffering and shares the spirit of the times, as it offers a social reflection on Korea's past, present, and future — marked by conflict, confrontation, and anger. Furthermore, the ultimate goal of this work is to recognize and honor the resilience and beauty of individuals who live with sensory challenges, delivering the depth of expression beyond words to the audience and expanding the realm of empathy with those who navigate the world differently. It is a powerful performance aiming to convey this message. Kira Kim has actively expressed a responsible attitude toward the social role of art and artists through performance, installation, and video work. His research interests are closely related to human actions and habits, addressing the irrational boundaries, social inequalities, and prejudices that surround us. His major exhibitions include "Artist of the Year" at the National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) in 2015, "Soft and Fragile Like Water" at the 14th Gwangju Biennale in 2023, "The Moving Moon Approaching Land" at the 3rd Jeju International Biennale.

Sergey Komarov & Lidiia Griaznova

Time Signals / Pulsars

sound installation, 2023 Supported by CYLAND MediaArtLab The time signals have a strict utilitarian purpose and are used as a reference to determine the time of day. Not only humans, but machines too, are sensitive to them. Coordinated Universal Time — an imposed time — splits space into time zones and divides days into slots for labor and leisure. A seemingly ordered and planned timing of the day bends the stream of life. It establishes hours through a hierarchy of choices we make throughout the day. In this project, utilitarian, purposeful time-counting is displaced by a subjective logic. It is guided by one’s personal sense of time — where what feels too long or too short is a matter of perception, shaped by what is happening and when. It appears as a temporally staged game, existing only for the sake of play, without any clear purpose. Whatever slice of time is noticed will be neither a beginning nor an end. They are all part of a broader continuity, where the sound from this installation is just one of many fragments — existing like pulsars, like strangers’ shouts from nowhere — a barely recognizable fragment of someone’s voice, snatched from the surrounding noise. Sergei Komarov is a curator, engineer, and sound artist. He curates the sound art program at the International Media Art Festival CYFEST and Cyland Audio Archive (CAA). As a sound artist and musician, he is a co-founder of the Kurvenschreiber band. As a Max/MSP programmer, he is involved in creating the installations made in CYLAND MediaArtLab. He was a collaborator in Asymmetrique Answer, an interactive performance group. Works as an independent author of sound art pieces. Currently lives and works in Yerevan, Armenia. Lidiia Griaznova is a curator. Since 2019, she has been a managing editor and curator at CYLAND MediaArtLab. Since 2023, co-curator together with Sergei Komarov of CYLAND Audio Archive and the sound art program at CYFEST. Earned an MA in Curatorial Studies from co-joined program of the Bard College and St. Petersburg State University. Curated several exhibitions and book-based projects for the Boomfest Comics Festival. Guest editor for a special issue of Leonardo Journal (54:1), “CYFEST 13: Cosmos and Chaos” (MIT Press) in 2021. Currently lives and works in London, UK.

Gustavo Matamoros

Memorial

kinetic sound installation, 2025 AudioMulch, Adobe Audition, Arduino, modified wiper motors, stepper motors, custom audio players synchronized with stepper controllers, 5 speakers Gustavo Matamoros’ works are published by Subtropics Editions. This comprises a score (created after the fact), source audio, binaural audio recording. Memorial, a kinetic sound installation by Gustavo Matamoros, transforms the exhibition space into an auditory experience that unveils the unique acoustical signature of the room. Created in 2025, this work employs rotating speakers and computer-controlled playback to project sound from the center of the space onto the surrounding walls. Utilizing four-channel digital audio and customized acoustical analysis, Memorial traces and outlines the physical architecture through audible transient artifacts, resonant tones and sweeps. Developed in collaboration with CYFEST artists and staff, the installation invites visitors to immerse themselves in a dynamic interplay of sound and space. Gustavo Matamoros is a North American composer born in Venezuela who creates experimental music and sound art. He is the founder of the Subtropics Festival in Miami and a core member of Frozen Music—a sound art collective with David Dunn and Rene Barge that has included Russell Frehling and David Behrman. He is best known for his work with small sounds, as well as for his sound portraits; the use of “gated” recorded sound as an interactive element in live electroacoustic performance; his “noise melodies”; and for his site-specific and public sound art installations. / gustavomatamoros.subtropics.org

Fabrizio Plessi

Energy

video installation, 2016 seven 40″ screens What is the meaning of Energy, after all? Changing and reversing the lapidary order of things. This is Energy Altering the rational pattern of our perception. This is Energy Overturning the very meaning of the work and extending its potential. This is Energy Running on unfamiliar terrain using unapproved strategies. This is Energy Entering and leaving without fear of the circumscribed borders. This is Energy Crossing without complexes the separateness and discomfort of creativity. This is Energy The true and authentic Energy, in the end, is only that of the light of a flash in the deep darkness of the night. — Fabrizio Plessi Fabrizio Plessi is a pioneer of Italian video art and is the first to have used a television monitor as material which runs a relentless water and digital fire flow (his first video installation goes back to 1974). His numerous participations in the Venice Biennale since 1970 and in film festivals and international dance have enabled him to create innovative and anticipative art experimentations. Internationally he exhibited at Documenta, in the Guggenheim Museum in New York and Bilbao, Scuderie del Quirinale in Rome, Martin-Gropius-Bau in Berlin, IVAM in Valencia, MoCA in San Diego, Ludwig Museum in Budapest and Koblenz, and The Fundació Joan Miró in Barcelona. His site-specific installation The Golden Age, was inaugurated on the facade of the Correr Museum in Venice in 2020 (thanks to the contribution of the Maison Dior). In Milan in 2021, the first monumental-scale video sculpture was inaugurated at the Generali Tower, The Seas of the World—Homage to Zaha Hadid. For Dior, he created MOSAICA, a unique piece of the iconic Lady Dior bag. Invited by the Brescia Musei Foundation to design and create an impressive widespread exhibition, Plessi marries Brixia, which is dedicated to the archaeological and historical-artistic heritage of Roman Brescia and the Santa Giulia Museum and can be visited until January 2024. Plessi was one of the founders of the Kunsthochschule für Medien in Cologne, where he was also Professor of Humanization of Technologies and Electronic Sceneographies from 1990 to 2000.

Mariateresa Sartori

The Pathetic Ones

video [00:06:23, sound, b/w, loop], 2018–2022 With participation of Kiki Dellisanti, Giovanni Dinello, Gustavo Frigerio, Antonella Mancino, Matilde Sambo Camera: Furio Ganz Music: Pyotr Tchaikovsky. Symphony No. 6 “Pathétique”. Leningrad Philharmonic Orchestra conducted by Yevgeny Mravinsky Thanks to: Ferruccio Busetto, Giorgio Busetto, Augusto Maurandi, Fabio Naccari, Lucia Veronesi; Fondazione Ugo e Olga Levi di Venezia The Pathetics move like puppets with motivations that elude us, passing from joy to despair, from fear to serenity, from aggression to desolation, abruptly, with no apparent motives other than internal ones made manifest by the music. They are driven by unconscious inner forces that determine dynamics, facts and destinies. Everything changes quickly and everything repeats itself in a kind of carousel without beginning or end. This is a work about human nature. We are “The Pathetic Ones”. Mariateresa Sartori is a visual and sound artist. Her research revolves around three thematic fulcrums: empirical scientific method; behavioral dynamics, often in relation to neurosciences; music and sound in relation to language. She often collaborates with experts from the various disciplines she explores geologists, theoretical physicists, linguists, musicologists, musicians, singers, actors, botanists, and ornithologists. She has exhibited in numerous museums and galleries in Italy and abroad, including the Therese Giehse Halle, Münchner Kammerspiele, Habibi Kiosk (Munich), Stanislavsky Electrotheatre (Moscow); Chopin Museum (Warsaw, Poland), Cairn Centre d'art (Digne-les-Bains, France), Ikon Gallery (Birmingham, UK), Fondazione Querini Stampalia (Venice, Italy), Moscow Museum of Modern Art (Russia), Palazzo Fortuny (Venezia, Italy), Museum of the Russian Academy of Fine Arts (St. Petersburg, Russia), MACRO Museum (Rome, Italy), Hangar Bicocca (Milano), Les Ateliers d’Artistes (Marseille, France) and many more. Lives and works in Venice, Italy.

Dmitriy Shishov

Corrasion

site-specific installation, 2024 C, Python programming; MQTT, Modbus; worm drive, stepper motor, stone, custom-made circuit board, indicators, Raspberry Pi Adviser: Alexey Grachev Supported by CYLAND MediaArtLab The stepper motor rotates the stone at a speed proportional to the wind speed data from the weather station in Saint Petersburg. The stone gradually turns into sand. In real time, this natural process occurs constantly and is called Corrasion. This work is an attempt to realize the power of processes occurring in nature and their tremendous scale. The densely stacked matter was formed layer by layer in the nonhuman time scale period. A stone is grating a stone, and the history of the Earth is revealing and immediately disappearing while turning into fine fractions. To be rearranged in the remote future into a new entity. Dmitriy Shishov is an electronics engineer, Nature explorer and weather observation enthusiast. Born in Vyborg (USSR). Graduated from the St. Petersburg Electrotechnical University (Russia). He works on developing electronic devices for industry and art. Electronics engineer at CYLAND Media Art Lab. Participated in such festivals as Chaos Constructions (2019, St. Petersburg, Russia), Archstoyanie (2024, Nikola Lenivets, Russia), CYFEST 16 (Yerevan, Armenia). Lives and works in St. Petersburg, Russia.

Hugo Solis

Performative Metaphor

sound installation, 2025 Automatic Piano; Touch Designer; Solenoids, Arduino, Servomotors; screens, piano extended with electronics, computer This piece was produced with the assistance of students from UAM Lerma. In 1700, Bartolomeo Cristofori invented the pianoforte. With the commercialization of electronic keyboards there was much speculation about the instrument's decline. We now know that neither its timbral quality nor its semiotic significance are easily replaceable. The pianoforte is an instrument with very characteristic sonic properties, an object with a historical significance and a transcendence as a sign and symbol that keeps it indifferent to digital modernity. The piano, as a material object and as a sound object, still remains a fixture in the collective imagination. This installation proposes a unique interpretation of the aesthetic elements, which is at the same time generic in its intention to relate the piano as an object to an increasingly dynamic, volatile, ubiquitous, and much more virtual environment. Hugo Solís García is a sound artist focused on the intersection of art, science, and technology. His work has been shown and performed on national and international venues over the last years. He has received grants, prizes, and awards from FONCA, UNAM, TELMEX, MIT, UW, IMEB, 4Culture, Seattle City, among others. Currently, he is a full-time professor at Universidad Autónoma Metropolitana in the field of Digital Art and Interactive Technologies. He has been a member of the Sistema Nacional de Creadores de Arte of México, and is a member of the Sistema Nacional de Investigadores of México. /hugosolis.net

Alba Triana

Dialogue with the Primordial Sea

immersive kinetic sound installation featuring magnetic spheres, electromagnetic fields, and gravitational force, 2024 C++, Arduino; custom circuits, microprocessors ESP32; pendulum and coil mounts, assembled pendulums, neodymium magnetic spheres, coils and aluminum cores, electric wires Technical assistance: Juan Amaya, Catherine Serrato, Carlos Serna Knight Foundation Digital Commissions Series, Locust Projects This installation delves into the inseparable relationship between our tangible surroundings and the imperceptible forces that govern the natural world. It features a room filled with magnetic spheres that either levitate or pendulate as they interact with magnetic fields. Each system consists of a magnetic sphere and two coils. When a coil emits a magnetic field, the sphere levitates near it, manifesting the field’s intangible presence. When the field dissipates, the sphere pendulates freely, propelled by gravity. The work behaves like a collective—a sort of organism composed of interrelated parts. Controlled by a probabilistic code, the spheres exhibit individual and collective behaviors. Amidst the randomness, moments of synchronized activity emerge, evoking a living entity that constantly self-generates. Alba Triana is a Miami-based, Colombian-born sound and intermedia artist. Through immersive installations, sound and light sculptures, and vibrational objects, her work explores the relationship between the natural world and the human condition. Engaging with vibration, energy, interconnectedness, and nature’s self-organization, she examines how the vitality of all things — living and inert — shapes our human experience. Her work has been shown at Ars Electronica Festival, Lentos Kunstmuseum (Austria), the Getty Foundation’s PST ART (U.S.), Le Centquatre-Paris, Biennale des Arts Numériques (France), and ISEA — International Symposium of Electronic Arts. It is part of collections like SOLO and Otazu (Spain), Banco de la República de Colombia, and MAMBO — Museum of Modern Art of Bogotá. / albatriana.com

Mu Tuan

Calligrapedia: A Universal Algorithm #2

single-channel video, 2024 video [00:02:42, color, stereo, loop]; Generative Adversarial Network, 40" screen, headphones Machine learning engineer: Aisthesis Savage Sound performers: Ku Hsiang-Yu, Yang Yu-Chiao Folk tale narrator: Yang Yu-Chiao Sound designer: Chen Lin-Shuang Data organizer: Ray He Supported by the National Culture and Arts Foundation (Taiwan) Based on the artist’s experience of practicing calligraphy for many years, Calligrapedia: A Universal Algorithm #2 utilizes a machine learning to analyze a large number of calligraphy drafts. Drawing inspiration from natural elements such as landscapes, animals, and plants, it has developed a series of human-machine-made Chinese characters that flow between script and organic things. On the other hand, through collaboration with a folk tale narrator, it reinterprets ancient oral stories passed down worldwide with “qualitative transformation” as its core. Deconstructing machine learning’s aspects of image style recognition and simulation, the work explores how words, language, and mythological narratives in human history continuously interpret themselves through learning from the world around them. It constructs an intertwined view of human-machine-nature interaction. Mu Tuan is an artist and independent curator based in Taipei. He seeks ways in which new media could reinterpret the unique worldview of traditional Asian culture, using a poetical approach to explore human perception and thinking in this age of technology. Combining media such as AI, XR, 3D animation and installation. His artworks have been presented in numerous international exhibitions, including Durres Biennale, Athens Digital Arts Festival, Asia Digital Art Exhibition, CutOut Fest, Miami New Media Festival, Now & After International Video Art Festival, Venice Immersive Market Taiwan Pavilion, Festival ECRA, CineGlobe Film Festival and CYFEST Media Art Festival. / tuanmu.art

Eric Vernhes

Ligne De Fuite (Vanishing Line)

installation, 2017 Max/MSP, Jitter; computer, 2 screens, camera, sound monitor, steel structure, welding Because we don’t know when we’re going to die, we can think of life as an inexhaustible well. Yet everything only happens a certain number of times, and a very small number in fact. How many more times will you remember a certain afternoon from your childhood, an afternoon that is so deeply a part of your being that you can’t even imagine your life without it? Maybe four, five times, maybe not even that. How many more times will you watch the full moon rise? Maybe 20. And yet it all seems limitless. — Paul Bowles, The Sheltering Sky Vanishing Line stages these particular images that Paul Bowles talks about, on which the flow of life stumbles. The video captures of some of these moments slide across the surface of a horizontal screen. These images are placed randomly under an observation camera that broadcasts them on a second screen as a cinematographic continuity. On this screen are condensed the hatching of time, the decompositions of notable moments of the “film” line of life. Often, the camera re-films the images that it has just captured. The resulting “feedback” process causes a degradation in the quality of the images, evoking the process of erosion of memory and finitude. Eric Vernhes is a time-based media artist. Lives and works in France. Since 2000, he has been designing and implementing computer tools that enable him to condense the editing, image/sound processing and broadcasting phases into a single operation. Surrounded by improvising musicians, he creates stage performances in which the creation of digital images and music proceeds from the same moment and gesture, either in interaction modalities, or thanks to the mastery of image improvisation, made possible by the development of specific interfaces. In 2008, he turned to the creation of kinetic, visual and sound devices and installations, programming their behavior according to self-generating, interactive or hybrid logics. The digital processes he uses are extracted from their technical context to serve a timeless discourse inspired by literature and philosophy. Represented in Paris by Galerie Charlot, his work is part of several private foundations (Artphilein Foundation, Lugano — Stuart Frankel, Chicago — New Art Foundation, Barcelona, etc.).

Mathieu Zurstrassen

/antipodal Portal/

sound installation, 2023 stainless steel, electronics, speaker, field recording [04:00:00, single-channel sound, loop] An Antipodal point refers, on the surface of a sphere, to two diametrically opposite points. The proposal for CYFEST aims to metaphorically connect the exhibition space to its geographical opposite. This location is in the southeastern Indian Ocean near the Kerguelen Islands, Specifically, roughly 650 km southwest of the islands, in the open sea. The proposal reflects on the invisible, what can’t be seen at first sight, what lies beyond apparently insurmountable barriers. It is an opening to a journey through the imagination. The installation draws its inspiration from the air ducts present in old buildings, the perception of muffled and barely audible discussions, decontextualized pieces of life devoid of visuals that act like a cerebral catalyst and opens the field to the imagination. Mathieu Zurstrassen is a trained architect who from 2013 embraces the path of visual arts. In designing objects, he moves away from the projection of the drawing and focuses on the experimentation of construction. He gives added value to his work, symbolic and philosophical, on the quality of the invisible and the relationships thus created between the sender and receiver. He uses the codes of craftsmanship to solve aesthetical issues often at the borders of the unspeakable. Highly technical, Mathieu Zurstrassen combines the ambiguity of materials, a poetic thought made of humor and delicacy. He has exhibited in various events, galleries and festivals such as the KIKK Festival or Ars Electronica or Venice Biennale.

Liudmila Belova

Pastoral

instalación, 2016 Modelado 3D, impresión 3D, video [MPEG4, color, sonido, en bucle]; quince figuras impresas en 3D, pantalla LCD, reproductor de multimedia; acrílico transparente, mesita antigua Ingeniero: Alexey Grachev Respaldado por: CYLAND MediaArtLab En la instalación Pastoral se colocaron copias de una pastora de porcelana fabricadas por una impresora 3D en una pantalla que reproduce un video que imita una pradera de flores. El sonido es una compilación de la música de Jean-Baptiste Lully con el canto de pájaros electrónicos. Si un pastoral suele percibirse como un lugar bucólico, tranquilo, iluminado por la brillante luz del sol, el pastoral digital es un mundo digitalizado detrás del espejo que representa lo que está ausente en la realidad, el reflejo del reflejo. En lugar de la luz del sol inundando paisajes idílicos, los espacios digitales brillan con la fría plata de la Luna — el reflejo de la luz del sol. La música pastoral de Lully calma al espectador, quien ve a una multitud de “pastoras” exactamente iguales bailando en el pasto que se está descomponiendo en pixeles. El canto de los pájaros crea la atmósfera de un alegre día soleado y nos invita a este nuevo mundo digital que nos deslumbra con su belleza, buena voluntad y con la ausencia de fronteras. Liudmila Belova es una artista y curadora que vive en San Petersburgo y Montenegro. Trabaja con videos, arte sonoro, pinturas y fotografías, investigando los problemas de la memoria, del espacio y tiempo y estudia el impacto de las nuevas tecnologías en los seres humanos en prácticas artísticas al hacer que el espectador se involucre en el proceso artístico. Liudmila Belova participó en más de 50 exposiciones colectivas y festivales locales e internacionales, incluyendo la bienal de Moscú de Arte Contemporáneo (2005, 2011, Rusia) y el programa paralelo de la bienal Manifesta 10 (San Petersburgo, Rusia, 2014). Desde 2011 participa habitualmente en las exposiciones paralelas a la Bienal de Venecia. Ganadora del premio “50 Bestern” ZKM (2000, Karlsruhe, Alemania) y del premio Sergey Kuryokhin (2017, Rusia). Sus obras forman parte de las colecciones del Museo Ruso, del Museo Anna Akhmatova, de la Kolodzei Art Foundation (Nueva York, EUA), y en un gran número de colecciones privadas.

CYLAND Audio Archive

selección de los discos de la CAA, 2013 — en curso 25 discos, tocadiscos, audífonos Respaldado por CYLAND MediaArtLab The CYLAND Audio Archive (CAA) es una división de CYLAND MediaArtLab, creada para investigar las metodologías de almacenamiento y la exposición del arte sonoro. Este archivo es un proceso continuo de trabajo en una estructura de varios subgéneros de arte sonoro, haciendo compilaciones y creando un catálogo del archivo en crecimiento: a la fecha ha habido 59 estrenos que incluyen obras de más de 80 artistas internacionales. Todos los discos están disponibles para escucharlos en cyland.bandcamp.com. Cada estreno es una pieza independiente acompañada de la declaración del artista. El material de origen para los artistas varía de los discos existentes — personales o encontrados — a discos almacenados, o a las señales de una máquina o sonidos extraídos de dispositivos reacondicionados, que al principio eran completamente ajenos a la creación de sonidos en primer lugar y que se convirtieron en máquinas de crear sonidos. Todos ellos fueron reflexionados y conceptualizados por los artistas y fueron recopilados juntos en una imagen de sonidos contradictoria y detallada para memorizar y definirla experiencia de estar presente en el mundo; una imagen donde el sonido — identificado o completamente extraño — no será poseído por completo pero dejará una atmósfera que compartirán las personas que lo hayan escuchado juntas. Así es como se forman los recuerdos, a partir de bloques que crean variaciones infinitas de los archivos. — Sergei Komarov y Lidiia Griaznova The CYLAND Audio Archive (CAA) es una división de CYLAND MediaArtLab, creada para investigar las metodologías de almacenamiento y la exposición del arte sonoro. Este archivo es un proceso continuo de trabajo en una estructura de varios subgéneros de arte sonoro, haciendo compilaciones y creando un catálogo del archivo en crecimiento: a la fecha ha habido 59 estrenos que incluyen obras de más de 80 artistas internacionales. Todos los discos están disponibles para escucharlos en cyland.bandcamp.com. Cada estreno es una pieza independiente acompañada de la declaración del artista.statement.

Alexandra Dementieva

Trituradora de la memoria

Modelado 3D, Impresión 3D, soldadura, corte con láser; Arduino, Fusion 360; panel de control personalizado, trituradora de papel, Plexiglass, acero, ventilador, soplador de aire, papel de colores tamaño A6 Ingenieros: Denis Markov, Alexey Grachev Respaldado por: CYLAND MediaArtLab Imagina que nuestra psique es una delicada hoja de papel que pasa a través de la trituradora del tiempo y de la experiencia. Cada evento deja su huella, rompiendo nuestro sentido de identidad en miles de pedazos. Entonces, como una ráfaga de viento de un ventilador, nuestros recuerdos vuelan y revolotean, mezclándose y relacionándose hasta volverse casi irreconocibles. Al intentar recuperar estos recuerdos fragmentados, puede que encontremos que sólo los pedazos quedaron intactos. Quizá sea el calor de una tarde soleada, el sonido de la risa en el aire, o la herida de una pérdida muy dolorosa. Estos fragmentos funcionan como vistazos al pasado y nos ofrecen indicios tentadores de las emociones que alguna vez sentimos. Pero conforme pasa el tiempo, incluso estos fragmentos pueden volverse confusos y distorsionados. Como un tornado que cobra fuerza, nuestros recuerdos dan un giro, se remodelan cada día que pasa. Lo que alguna vez fue tan claro como el agua ahora podría ser confuso y poco definido, empañado por el paso del tiempo y la neblina de nuestra percepción. A pesar del desgaste inevitable de la memoria, hay belleza en el caos de nuestro archivo de sentimientos. Es un testamento de la riqueza de la experiencia humana, de la complejidad de las emociones y de la resiliencia del alma humana. Nuestros recuerdos podrán ser imperfectos, pero nos pertenecen solamente a nosotros y los altibajos de la vida misma los moldean. Por lo tanto, al navegar por el laberinto de nuestros recuerdos, aceptemos los fragmentos, los torbellinos y los tornados. Pues en sus profundidades turbulentas se encuentra la esencia de quienes somos, un caleidoscopio de sentimientos e impresiones que nos hacen verdaderamente humanos. Los intereses principales de Alexandra Dementieva se centran en la psicología social y la percepción social y su aplicación en las instalaciones interactivas de multimedia. Su proceso de investigación artística ocurre en el aquí y ahora, en el presente cada vez más tecnologizado, está profundamente arraigado a su contexto cultural. La fotografía y otros medios digitales siempre registran una huella que indica la presencia anterior de algo. Al ser testigo de un cierto evento, la huella, al mismo tiempo, consagra la tecnología en uso y, por consiguiente, actúa como testigo de la cultura contemporánea. De forma similar, Alexandra Dementieva suele reflexionar sobre los patrones de conducta y los mecanismos culturales que son característicos de la sociedad contemporánea. Sus obras se pueden encontrar en las colecciones en museos y se exhiben en todo el mundo. Es fundadora y directora de las conferencias de LASER en la Real Academia de Bruselas.

Anna Frants

Para no hacer una historia larga

de la serie “Placeres sencillos” instalación, 2024 folioscopios, robotica, técnica mixta Ingenieros: Philipp Avetisov, Eugene Pavlov, Eugene Ovsyannikov, Dmitry Shirokov Respaldado por: CYLAND MediaArtLab Hace 30 años, cuando acababa de llegar a los Estados Unidos, uno de mis primeros trabajos fue en una tienda de fotografía. Uno de los servicios que ofrecían ere revelar los rollos para fotos en blanco y negro, copiar y retocar fotografías antiguas. Durante muchos años en mi trabajo, cientos de imágenes llegaron a mis manos, y nos guste o no, lo que viste se vuelve parte de ti. Me encontré con imágenes de diferentes épocas: los siglos XVIII, XIX y XX. La mayoría eran fotografías individuales, de familias y de grupos, retratos de los militares y fotografías de la época Victoriana cuando se tomaban fotografías con los difuntos de la familia. Hubo algunos incidentes curiosos. Una vez me dieron un sobre con fotografías que venía con una nota: “Tenga cuidado, las fotos son muy antiguas; son del 1715”. (Por cierto, el Daguerrotipo se inventó en 1839). Esas imágenes se quedaron en mi memoria. Lo que me dejó muy asombrada fue que casi todas las imágenes eran iguales. Es interesante que, independientemente del origen geográfico de las personas que aparecían en las fotografías, resultaba imposible determinar de dónde eran (a menos que la arquitectura del lugar esté presente en la foto). Era imposible descubrir si eran inmigrantes de Armenia, Rusia, Suecia, Italia o Irlanda. También era imposible determinar dónde se tomaron en ese entonces las fotografías de diferentes países. Los científicos afirman que si el cerebro vio algo, eso que vio permanecerá en él por el resto de la vida de la persona. Sin embargo, el preconsciente* también desempeña su papel… * Preconsciente: término que indica las percepciones, pensamientos y recuerdos que, aunque no son parte de nuestra experiencia consciente actual, todavía están disponibles para su comprensión. Anna Frants es una artista, curadora en el campo del arte multimedia. Se graduó en la Escuela superior de arte y diseño Vera Mukhina (Leningrado, URSS) y del Instituto Pratt (Nueva York, EUA). Fundadora de CYLAND Foundation Inc., fundación cultural sin fines de lucro. Cofundadora de CYLAND MediaArtLab y CYFEST. Las instalaciones interactivas de Ana Frants se han expuesto en el Museo de Arte y Diseño (Nueva York, EUA), el festival Video Guerrilha (Brasil), la Bienal Manifesta 10 (2014, San Petersburgo, Rusia), el Museo del Hermitage (San Petersburgo, Rusia), el Museo de arte de Chelsea (Nueva York, EUA), el Museo Ruso (San Petersburgo, Rusia), Kunstquartier Bethanien (Berlín, Alemania), la Galería de la Iglesia de Hatcham, Goldsmiths, Universidad de Londres (RU), Dartington Estate (RU), Ca’ Foscari Zattere zona de flujo cultural (Venecia, Italia), Museo MAXXI (Roma, Italia), Club nacional de las artes (Nueva York, EUA) y otros recintos importantes alrededor del mundo. Las obras de la artista forman parte de las colecciones del Museo Ruso (San Petersburgo, Rusia), del Museo de Arte y Diseño (Nueva York, EUA), Centro de Arte Moderno Sergey Kuryokhin (San Petersburgo, Rusia) y la Fundación de Arte Kolodzei (Nueva York, EUA) así como también de un gran número de colecciones privadas. Ella vive y trabaja en Miami, EUA.

Alexey Grachev

Estación meteorológica núm. 1, Transductor atmosférico acústico

objeto de arte sonoro, 2012 caja de aluminio de época, atril, bocina, microcontrolador, Arduino y Max/MSP; programación, Mac Mini, sensores ambientales Ingenieros: Alexey Grachev, Sergei Komarov Respaldado por: CYLAND MediaArtLab La Estación meteorológica núm. 1: Transductor atmosférico acústico convierte la atmósfera en sonido. Diseñado para transmitir información acerca de los cambios ambientales en ausencia de señales visuales, el transductor genera sonidos basados en los datos de entrada tales como la presión atmosférica, la humedad, la temperatura y demás. Con la Estación meteorológica núm. 1, Alexey Grachev explora lo que la interpretación del flujo de datos puede revelar. Usando los datos atmosféricos de diversos sensores como un fundamento composicional, la obra profundiza en la poética subliminal del espacio. La música algorítmica, estructurada por medio de procesos basados en reglas simples, se desarrolla continuamente — formada por los cambios ambientales en tiempo real. Alexey Grachev es un artista de medios, ingeniero, programador, músico y artista de performance. Se graduó en la Universidad Técnica Estatal Bauman de Moscú (Rusia). Completó el programa de la Escuela para Artistas Jóvenes en la Fundación Pro Arte (San Petersburgo, Rusia). Grachev es el director técnico y el ingeniero jefe de CYLAND MediaArtLab. Participó en el World Event Young Artists Festival (2012, Nottingham, UR), CYFEST (varias veces), en el proyecto especial Urbi et Orbi en la Sexta Bienal de Moscú (2015, Rusia), en la exposición La máquina creativa 2 en Goldsmiths, Universidad de Londres (2018, RU), en ID exposición paralela a la Bienal de Venecia (2019, Venecia, Italia). Participó también en el proyecto Obras de arte del futuro en la plataforma del Tate Exchange (2018, Londres, RU). Ha dado conferencias y talleres en varias instituciones educativas y culturales en Rusia e internacionalmente.

Elena Gubanova & Ivan Govorkov

Polvo de estrellas

instalación, 2024 3 canales de video [00:00:30, b/n, sonido; 3 pantallas; modelado 3D, impresión 3D, soldadura, programación de Arduino, motor de paso, controlador de motor de paso, imán, placa de circuito impreso personalizada, acero, abrigo de lana gruesa, gancho, batidor de alfombras. Ingenieros: Alexey Grachev, Yuriy Avdeev, Dmitriy Shishov Ingeniero de video: Anton Khlabov Respaldado por: CYLAND MediaArtLab La vida del hombre es solamente un momento en el infinito — como polvo flotando en el río del tiempo. Cuando volvemos a nuestros recuerdos, parece que los sacamos a golpes de nosotros mismos como si fueran un abrigo viejo y gastado, a veces admiramos su brillo, a veces nos atragantamos con su corrosividad sofocante. Cada uno de nosotros viene a este mundo siguiendo su camino único, pero al final, todos regresamos a nuestro punto de partida — el polvo de estrellas. Al entender esto podemos sentir la vulnerabilidad y la importancia de nuestra existencia. Estamos hechos de polvo, pero también somos una parte del polvo de las estrellas, del que siempre seguiremos siendo parte. Elena Gubanova es una artista visual y curadora que trabaja en las áreas de la pintura, escultura, instalación y videoarte. Como curadora está involucrada en los proyectos de CYLAND MediaArtLab. Desde 2013 sus obras se han expuesto en importantes recintos rusos e internacionales, incluyendo el Museo del Hermitage (San Petersburgo, Rusia), Museo Ruso (San Petersburgo, Rusia), la GaleríaTretyakov (Moscú, Rusia), la Universidad Ca’ Foscari (Venecia, Italia), Goldsmiths, Universidad de Londres (RU), Museo de Arte de Chelsea (Nueva York, EUA), Kunstquartier Bethanien (Berlín, Alemania) y el Club Nacional de las Artes (Nueva York, EUA). Participó en el programa paralelo de la Bienal Manifesta 10 (2014, San Petersburgo, Rusia) y en muchas exposiciones paralelas a la Bienal de Venecia (desde 2011, Venecia, Italia); es participante frecuente y curadora del CYFEST. Recibió el premio Sergey Kuryokhin (Rusia) por "la mejor obra de arte visual" (2012, conjuntamente con Ivan Govorkov) y "al mejor festival en la categoría de arte contemporáneo" (2018). Desde 1990 ha estado trabajando en colaboración con Ivan Govorkov. Vive y trabaja en San Petersburgo, Rusia. Ivan Govorkov es un artista dedicado a la filosofía, psicología, pintura, dibujo, escultura e instalaciones; trabaja en la intersección del arte tradicional y las tecnologías de punta. Es profesor de dibujo en la Academia de las Artes de Repin de San Petersburgo. Sus obras se han expuesto en importantes recintos rusos e internacionales, incluyendo el Museo del Hermitage (San Petersburgo, Rusia), el Museo Ruso (San Petersburgo, Rusia), la Galería Tretyakov (Moscú, Rusia), la Universidad Ca’ Foscari (Venecia, Italia), Goldsmiths, Universidad de Londres (UK), el Museo de Arte de Chelsea (Nueva York, EUA), Kunstquartier Bethanien (Berlín, Alemania) y el Club Nacional de las Artes (Nueva York, EUA). Participó en el programa paralelo de la Bienal Manifesta 10 (2014, San Petersburgo, Rusia) y en muchas exposiciones paralelas a la Bienal de Venecia (desde 2011, Venecia, Italia); es participante frecuente del CYFEST. Recibió el premio Sergey Kuryokhin (Rusia) por "la mejor obra de arte visual" (2012, conjuntamente con Elena Gubanova). Desde 1990 ha estado trabajando en colaboración con Elena Gubanova. Vive y trabaja en San Petersburgo, Rusia.

Heejeong Jeong

Dulce hogar

Instalación con 2 canales de video, 2021 video [08:30, color, sonido, en bucle]; Video mapping: Alexander Bochkov Video, Gráficos, Edición: Heejeong Jeong Sonido: HyunTae Lee En los 60s, Corea empezó a construir departamentos como parte de una política de desarrollo económico que llegó con el ascenso del gobierno autoritario. Cubrieron las montañas y los ríos y el país completo se convirtió en el mismo espacio residencial. Los departamentos que hoy en día se han convertido en el espacio residencial representativo de Corea no son solamente casas, sino la cúspide inevitable de los deseos económicos y culturales. El panorama, que es un collage de fotografías, muestra los paisajes abandonados y alienados de los alrededores durante este proceso. Como un guante invertido, la parte trasera del lugar donde se proyecta el exterior al revés revela el flujo del deseo y de la ambición por tener una casa. ¿Podrá ella, que pasó su infancia en una casa con un patio antes del auge del desarrollo, hacer realidad el sueño de toda su vida de tener un jardín donde pueda cultivar su propia comida? A través de los paisajes que han sido ignorados por el desarrollo y de la historia de una mujer que sueña con un hogar con jardín, este panorama nos lleva a preguntarnos: ¿qué tipo de “hogar” verdaderamente deseamos? Heejeong Jeong nació en Seúl, Corea en 1975. Tiene una maestría en Bellas Artes en Diseño de Medios Digitales de la Escuela internacional de diseño para estudios avanzados de la Universidad de Hongik y está trabajando activamente en el área del videoarte. Su trabajo revela los peligros inesperados y los momentos fascinantes en la vida diaria a través de paletas de colores peculiares, composiciones cautivadoras e imaginería simbólica que se resiste a una interpretación fácil. Fue invitada al CYFEST 16 en Ereván en 2024 y ha participado en gran número de exposiciones colectivas y proyecciones, incluyendo VIDEOFORMES en Clermont-Ferrand y en el Museo de Arte de Torrance en los Ángeles. En 2017 recibió el Premio del Público en el Festival Internacional New Media de Seúl por su obra la Habitación Roja. / nnanna.com

Anton Khlabov

El centro imaginario del círculo

videoarte, 2024 video de resolución full HD [00:00:00, b/n, en bucle] mezcla de gráficos vectoriales, animación a partir de fotografías, imágenes fotográficas estáticas La realización de cualquier gran plan suele ser el ejemplo más vívido de cómo el pensamiento humano es flexible y cambiante. Cuando empezamos a darle vida a un concepto que antes nos pareció perfecto, siempre nos encontramos con el hecho de que lo perfecto había cambiado antes de materializarse por completo. El video El centro imaginario del círculo se basa en una serie de fotografías acerca del tejido urbano, sus pliegues y curvas, sus motivos recurrentes y los fragmentos que con sus sectores y segmentos de círculo intentan crear la forma perfecta, pero a fin de cuentas acaba siendo simplemente una reflexión del sueño en el que los elementos contradictorios y distintos del mundo pueden recomponerse en algo unificado, como el plano urbano de Ereván moderna, concebido originalmente como el círculo perfecto de una ciudad jardín, al final… Anton Khlabov nació en 1986 en San Petersburgo (Rusia), actualmente vive y trabaja en Ereván, Armenia. Es un fotógrafo y artista multimedia y de video. Se graduó en el Instituto Pro Arte en el programa “Nuevas tecnologías en el arte moderno”. Sus obras de video a menudo combinan la animación a partir de fotografías, la abstracción geométrica y los resultados del procesamiento, análisis e investigación de la arquitectura, los ambientes urbanos y las estructuras de los espacios creados por los seres humanos. Las obras del artista fueron presentadas en exposiciones en varios países y han participado en festivales internacionales y bienales alrededor del mundo. / khlabov.site

Anna Kim

Ciudades Invisibles: <OPIM>

VR (Rendimiento), 2021 Unity, Python, HMD (Quest) Dirección y gráficos: Anna Kim Música: Park Sungmin Choreografía: Ko Dahee, Kim Yujin Danza: Ko Dahee, Kim Sohee, Kim Yujin, Kim Hyunjoo, Jang Haram Soporte técnico: ManiaMind Ciudades invisibles: es una realidad transdisciplinaria, colaborativa y mezclada que utiliza la tecnología de captura de movimiento. Al principio se presentó como una actuación en vivo y es un experimento artístico que les permite a ambos artistas y a los espectadores superar las fronteras espaciales y temporales a través de la fusión de lo real y lo virtual. El proyecto se organizó para reunir a artistas de géneros diferentes (un escritor/escritora, un artista de medios, un compositor/compositora y un coreógrafo/coreógrafa) para hacer una especie de juego surrealista parecido al “cadáver exquisito”, permitiendo que cada contribución se superponga con las de los demás en lugar de que se vayan uniendo de manera unidireccional. Creado en el contexto del panorama socioeconómico turbulento durante la pandemia de COVID-19, el panorama surreal de intenta abrir un nuevo horizonte psíquico sobre el mundo nuevo que vendrá. Es un viaje a la nebulosa extraterrestre “Aldalbach” de la historia de Sim Na-wool, Amor virtual, una ciudad virtual construida en un espectro más allá de la realidad inteligible que se desarrolla en la obra. es un mundo virtual que consiste en la existencia imaginaria. Anna Kim es una artista de medios que explora la interacción entre los seres humanos y el ambiente a través de la tecnología. Su obra investiga las posibilidades artísticas al observar los fenómenos ambientales y sociales que ella personifica por medio de narraciones digitales y prácticas simulativas. Sus creaciones se centran en narrativas alternativas, utilizando diferentes tecnologías de manera subversiva y crítica para explorar nuevas trayectorias para el futuro. Sus exposiciones más destacadas incluyen: Resonancia digital en la plataforma de arte multimedia Gwangju (2022), Festival de Arte de Convergente Unfold X de Seúl en S Factory (2022), Museo sustentable: Arte y ambiente en el Museo de Arte Contemporáneo de Busan (2021), el Festival de Arte de Multimedia Abierta El cisne negro: futuro impredecible en el Parque Cultural de Tanques de Petróleo (2020) y Anatomía de los medios en el Total Museum of Contemporary Art (2020). / an-kim-na.com

Kira Kim

Sordos y ciegos

video de canal único, 2023–2024 video [00:09:48, color, sonido, en bucle]; pantalla de 65”, audífonos Ciegos y sordos explora la relación entre los individuos y la soledad, representando a personas que, aunque son capaces de escuchar y hablar, son ciegas al mundo, o aquellas que pueden ver el presente, pero no pueden hablar o escuchar, así como también a la naturaleza inestable y fluida de la sociedad. Además, a través de la expresión artística, la pieza plantea preguntas sobre la conexión humana, la resiliencia, y el ilimitado potencial de la expresión humana más allá de la vista y el sonido pues se inspira considerablemente en la exploración de eventos históricos, emociones y recuerdos. Esta obra también resalta profundamente el sufrimiento humano y comparte el espíritu de las épocas, pues ofrece una reflexión social sobre el pasado, presente y futuro de Corea — marcado por el conflicto, la confrontación y la ira. Es más, la meta principal de esta obra es reconocer y honrar la resiliencia y belleza de los individuos que enfrentan desafíos sensoriales, dando una profundidad de expresión más allá de las palabras al público y ampliando el ámbito de la empatía con aquellos que navegan en el mundo de manera diferente. Es una obra poderosa cuyo objetivo es transmitir este mensaje. Kira Kim ha expresado enérgicamente una actitud responsable con respecto a la función social del arte y de los artistas a través del performance, la instalación y obra en video. Sus líneas de investigación están estrechamente relacionadas con las acciones y hábitos humanos, abordando las fronteras irracionales, las desigualdades sociales y los prejuicios que nos rodean. Sus exposiciones más importantes incluyen "Artista del año" en el Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo (MMCA) en 2015, "Suave y frágil como el agua" en la 14a Bienal de Gwangju en 2023, "La luna en movimiento acercándose a la tierra” en la 3a Bienal Internacional de Jeju.

Sergey Komarov & Lidiia Griaznova

Señales Horarias / Pulsares

Instalación sonora, 2023 Respaldado por CYLAND MediaArtLab Las señales horarias tienen un propósito estrictamente utilitario y se usan como referencia para determinar la hora del día. No solamente los seres humanos, también las máquinas son sensibles a ellas. El tiempo universal coordinado — un tiempo impuesto — separa el espacio en husos horarios y divide los días en intervalos para el trabajo y para el tiempo libre. Una sincronización aparentemente ordenada tuerce el flujo de la vida y establece las horas a través de una jerarquía de las decisiones que tomamos durante el día. En este proyecto, el conteo del tiempo utilitario con un propósito es reemplazado por una lógica subjetiva. Se guía por el sentido personal del tiempo de uno mismo — donde lo que parece muy largo o muy corto es una cuestión de percepción determinada por lo que está y cuándo está ocurriendo. Se presenta como un juego escenificado temporalmente que existe sólo por el placer de jugar, sin ningún propósito claro. Cualquier fragmento de tiempo que sea percibido no será ni un principio ni tampoco un final. Todos los fragmentos son parte de una continuidad más amplia, donde el sonido de esta instalación es sólo uno de muchos fragmentos — existiendo como pulsares, como gritos de extraños que surgen de la nada — un fragmento apenas perceptible de la voz de alguien, arrancado del ruido que lo rodea. Sergei Komarov es un curador, ingeniero y artista sonoro. El cura el programa de arte sonoro del Festival Internacional de Arte Multimedia CYFEST y de Cyland Audio Archive (CAA). Como artista de arte sonoro y músico, es cofundador de la banda Kurvenschreiber. Como programador de Max/MSP, está involucrado en la creación de las instalaciones hechas en CYLAND MediaArtLab. Fue colaborador en Asymmetrique Answer, un grupo de performance interactivo. Trabaja como autor independiente de piezas de arte sonoro. Actualmente vive y trabaja en Ereván, Armenia. Lidiia Griaznova es una curadora. Desde 2019 ella ha sido directora editorial y curadora en CYLAND MediaArtLab. Desde 2023, junto con Sergei Komarov es cocuradora de CYLAND Audio Archive y del programa de arte sonoro en CYFEST. Obtuvo una maestría en Estudios Curatoriales del programa conjunto del Bard College y de la Universidad Estatal de San Petersburgo. Ha curado muchas exposiciones y proyectos basados en libros para el Festival de Cómics Boomfest. Editora invitada para una edición especial del Leonardo Journal (54:1), “CYFEST 13: Cosmos y Caos” (MIT Press) en 2021. Actualmente vive y trabaja en Londres, RU

Gustavo Matamoros

Memorial

Memorial, una instalación sonora cinética de Gustavo Matamoros, transforma el espacio expositivo en una experiencia auditiva que revela la firma acústica única de la sala. Creada en 2025, esta obra emplea altavoces giratorios y reproducción controlada por computadora para proyectar sonido desde el centro del espacio hacia las paredes circundantes. Utilizando audio digital de cuatro canales y análisis acústico personalizado, Memorial traza y delinea la arquitectura física mediante artefactos sonoros articulados, tonos y barridos resonantes. Desarrollada en colaboración con artistas y personal de CYFEST, la instalación invita a los visitantes a sumergirse en una interacción dinámica entre sonido y espacio. Gustavo Matamoros es un compositor norteamericano nacido en Venezuela que crea música experimental y arte sonoro. Es fundador del Festival Subtropics en Miami y un miembro destacado de Frozen Music, un colectivo de arte sonoro junto con David Dunn y Rene Barge, que también ha incluido a Russell Frehling y David Behrman. Es conocido por su trabajo con pequeños sonidos, así como por sus retratos sonoros; el uso de sonido grabado interrumpido (“gated”) como elemento interactivo en presentaciones electroacústicas en vivo; sus “melodías de ruido”; y por sus instalaciones de arte público. / gustavomatamoros.subtropics.org

Fabrizio Plessi

Energía

instalación de video, 2016 Siete pantallas de 40″ ¿Cuál es el significado de Energía, después de todo? Cambiar e invertir el orden lapidario de las cosas. Esto es Energía Alterar el patrón racional de nuestra percepción. Esto es Energía Revertir el sentido mismo del trabajo y ampliar su potencial. Esto es Energía Correr en un terreno extraño y usar estrategias que no han sido aprobadas. Esto es Energía Entrar y salir sin miedo de las fronteras delimitadas. Esto es Energía Atravesar sin complejos el aislamiento y la incomodidad de la creatividad. Esto es Energía La Energía verdadera y auténtica, al final, es solamente la de luz de un destello en la profunda oscuridad de la noche. – Fabrizio Plessi Fabrizzio Plessi es un pionero del videoarte italiano y es el primero en haber usado el monitor de una televisión como un material del cual corre un incesante flujo de agua y de fuego digital (su primera instalación la realizó hace mucho tiempo, en 1974). Sus numerosas participaciones en la Bienal de Venecia desde 1970 y en festivales de cine y de danza internacional, le han permitido crear experimentaciones de arte innovadoras y anticipatorias. Internacionalmente ha tenido exposiciones en Documenta, en el Museo Guggenheim en Nueva York y Bilbao, Scuderie del Quirinale en Roma, Martin-Gropius-Bau en Berlín, IVAM en Valencia, MoCA en San Diego, Museo Ludwig en Budapest y Coblenza, y La Fundació Joan Miró en Barcelona. Su instalación para un sitio particular, La edad de oro, se inauguró en la fachada de la esquina del Museo Correr en Venecia en 2020 (gracias a la contribución de la Maison Dior). En Milán en 2021, se inauguró la primera video escultura a escala monumental, Lo mares del mundo—Homenaje a Zaha Hadid, en la Torre Generali. Para Dior creó a MOSAICA, una pieza única de la icónica bolsa Lady Dior. Fue invitado por la Fundación de los Museos de Brecia a diseñar y crear una exposición impresionante y de gran alcance, Plessi marries Brixia, la cual está dedicada al legado arqueológico e histórico artístico de la Bresia romana y del Museo de Santa Giulia. Esta exposición estuvo abierta al público hasta enero de 2024. Plessi fue uno de los fundadores del Kunsthochschule für Medien en Colonia, donde también fue profesor de Humanización de la tecnología y escenografía electrónica de 1990 al 2000.

Mariateresa Sartori

Los patéticos

video [00:06:23, sonido, b/n, en bucle], 2018–2022 Con la participación de Kiki Dellisanti, Giovanni Dinello, Gustavo Frigerio, Antonella Mancino, Matilde Sambo Cámara: Furio Ganz Música: Pyotr Tchaikovsky. Sinfonía No. 6 “Pathétique”. Orquesta Filarmónica Leningrad dirigida por Yevgeny Mravinsky Agradecimientos: Ferruccio Busetto, Giorgio Busetto, Augusto Maurandi, Fabio Naccari, Lucia Veronesi; Fondazione Ugo e Olga Levi di Venezia Los Patéticos se mueven como títeres con motivaciones que se nos escapan, pasando de la alegría a la desesperación, del miedo a la serenidad, de la agresión a la desolación, abruptamente, sin motivos aparentes además de los internos que la música revela. Ellos son impulsados por fuerzas interiores inconscientes que determinan la dinámica, los hechos y los destinos. Todo cambia rápidamente y todo se repite en una especie de carrusel sin principio ni final. Esta es una obra sobre la naturaleza humana. Nosotros somos “Los patéticos”. Mariateresa Sartori es una artista visual y sonora. Su investigación gira alrededor de tres ejes temáticos: el método científico empírico; dinámicas de comportamiento a menudo en relación con las neurociencias; música y sonido en relación con el lenguaje. Frecuentemente colabora con expertos de las diferentes disciplinas que ella explora; geólogos, físicos teóricos, lingüistas, musicólogos, músicos, cantantes, actores, botánicos y ornitólogos. Ella ha tenido exposiciones en una gran cantidad de museos y galerías en Italia y en el extranjero, incluyendo: Therese Giehse Halle, Münchner Kammerspiele, Habibi Kiosk (Múnich), Stanislavsky Electrotheatre (Moscú); el Museo Chopin (Varsovia, Polonia), Cairn Centre d'art (Digne-les-Bains, Francia), Ikon Gallery (Birmingham, UR), Fondazione Querini Stampalia (Venecia, Italia), Museo de Arte Moderno de Moscú (Rusia), Palazzo Fortuny (Venecia, Italia), Museo de la Academia Rusa de Bellas Artes (San Petersburgo, Rusia), MACRO Museo (Roma, Italia), Hangar Bicocca (Milán), Les Ateliers d’Artistes (Marsella, Francia) y muchos más. Vive y trabaja en Venecia, Italia.

Dmitriy Shishov

Abrasión

instalación para un sitio particular, 2024 Programación C, Python; MQTT, Modbus; engranaje de tornillo sin fin, motor de paso, piedra, placa de circuito impreso personalizada, indicadores, Raspberry Pi Asesor: Alexey Grachev Respaldado por: CYLAND MediaArtLab El motor de paso rota la piedra a una velocidad proporcional a los datos de la velocidad del viento de la estación meteorológica de San Petersburgo. La piedra paulatinamente se convierte en arena. En tiempo real, este proceso natural ocurre constantemente y se llama Abrasión. Esta obra es un intento de generalizar el poder de los procesos que ocurren en la naturaleza y su gran magnitud. La materia densamente apilada se formó capa por capa en un periodo de la escala de tiempo no humano. Una piedra raspa otra piedra y la historia de la Tierra se revela e inmediatamente desaparece, haciéndose pedazos, para luego ser reestructurada, en un futuro remoto, como una nueva entidad. Dmitriy Shishov es un ingeniero electrónico, explorador de la naturaleza y observador entusiasta del clima. Nació en Víborg (URSS). Se graduó en la Universidad Electrotécnica de San Petersburgo (Rusia). Trabaja en el desarrollo de dispositivos electrónicos para la industria y el arte. Es ingeniero electrónico en CYLAND Media Art Lab. Participó en festivales como: Construcciones del Caos (2019, San Petersburgo, Rusia), Archstoyanie (2024, Nikola Lenivets, Rusia), CYFEST 16 (Ereván, Armenia). Vive y trabaja en San Petersburgo, Rusia.

Hugo Solis

Metáfora Performática

instalación sonora, 2025 Piano automático; Touch Designer; Solenoides, Arduino, Servomotores; pantallas, piano extendido con electrónica, computadora Esta pieza fue producida con la ayuda de los estudiantes de la UAM Lerma. En 1700, Bartolomeo Cristofori inventó el pianoforte. Con la comercialización de los teclados electrónicos hubo mucha especulación acerca del declive del instrumento. Ahora sabemos que ni su calidad tímbrica ni su importancia semiótica se pueden reemplazar fácilmente. El pianoforte es un instrumento con propiedades sónicas muy particulares, es un objeto con una importancia histórica y una trascendencia como un signo y símbolo que lo mantiene indiferente a la modernidad digital. El piano, como objeto material y un objeto de sonido, todavía sigue siendo un elemento de la imaginación colectiva. Esta instalación propone una interpretación única de los elementos estéticos, que es a la vez genérica en su intención de relacionar el piano como un objeto con el entorno cada vez más dinámico, volátil, ubicuo y mucho más virtual. Hugo Solís García es un artista sonoro enfocado en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología. Su obra ha sido expuesta y presentada en recintos nacionales e internacionales en los últimos años. Ha recibido becas, premios y galardones del FONCA, UNAM, TELMEX, MIT, UW, IMEB, 4Culture, ciudad de Seattle, entre otros. Actualmente, es profesor de tiempo completo en la Universidad Autónoma Metropolitana en el área de Arte digital y Tecnologías interactivas. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México, y es miembro del Sistema Nacional de Investigadores de México. /hugosolis.net

Alba Triana

Diálogo con el mar primigenio

Instalación inmersiva sonora y cinética con esferas magnéticas, campos electromagnéticos y fuerza gravitacional, 2024 C++, aplicación Arduino; placas de circuito impresas, microprocesadores ESP32; esferas magnéticas de neodímio, bobinas de cobre y núcleos de aluminio, péndulos de nylon ensamblados, soportes ensamblados para péndulos y bobinas, cajas de circuitos, fuentes de poder, reguladores de voltaje, cableado electrico Asistencia técnica: Juan Amaya, Catherine Serrato, Carlos Adrián Serna Knight Foundation Digital Commissions Series, Locust Projects Esta instalación explora la relación inseparable entre nuestro entorno tangible y las fuerzas imperceptibles que dominan el mundo natural. Un conjunto de esferas magnéticas pendulan o se suspenden a medida que interactúan con campos magnéticos y la fuerza gravitacional. Cada sistema está compuesto por una esfera y dos bobinas. Cuando la bobina emite un campo magnético, sujeta la esfera, manifestando la presencia intangible del campo. Cuando éste se disipa, la esfera pendula libremente impulsada por la gravedad. Alba Triana, artista sonora e intermedia colombiana. Sus obras exploran la relación entre la esencia del mundo natural y nuestra condición humana, a través de la investigación de fenómenos como la vibración, la interconectividad y la autoorganización en el mundo natural. Alba ha recibido reconocimientos como Prix Ars Electronica — Award of Distinction (Austria), Civitella-Ranieri Fellowship, CIFO Award, y Art Fields Grand Prize (EE. UU.). Sus obras han sido exhibidas en lugares como Lentos Kunstmuseum (Austria), 104 — Paris, Biennale des Arts Numériques (Francia), Sónar+D (España), Lowe Art Museum (EE. UU.), Orange County Museum of Art (California, EE. UU.), y Museo de Arte Moderno de Bogotá (Colombia). / albatriana.com

Mu Tuan

Calligrapedia: Un algoritmo universal #2

video de canal único, 2024 video [00:02:42, color, stereo, loop]; Red generativa adversativa, pantalla de 40", audífonos Ingeniero de aprendizaje automático: Aisthesis Savage Intérpretes de sonido: Ku Hsiang-Yu, Yang Yu-Chiao Narradora de cuentos tradicionales: Yang Yu-Chiao Diseñadora de sonido: Chen Lin-Shuang Organizador de datos: Ray He Respaldado por: La Fundación Nacional para la Cultura y las Artes (Taiwán) Basándose en la experiencia del artista de practicar la caligrafía durante muchos años, Calligrapedia: Un algoritmo universal #2 utiliza un aprendizaje automatizado (machine learning) para analizar un gran número de borradores de caligrafía. Inspirado en los elementos naturales como paisajes, animales y plantas ha desarrollado una serie de caracteres chinos cocreados por seres humanos y máquinas, que fluyen entre letras y cosas orgánicas. Por el otro lado, por medio de la colaboración con un narrador de cuentos tradicionales, reinterpreta las historias orales antiguas que se han transmitido alrededor del mundo con la “transformación cualitativa” como su núcleo. Deconstruyendo los aspectos de reconocimiento y simulación del estilo de la imagen del aprendizaje automatizado (machine learning), la obra explora cómo las palabras, el lenguaje y las narrativas mitológicas en la historia de la humanidad continuamente se interpretan a sí mismas a través del aprendizaje sobre el mundo alrededor de ellas. Construye una visión entrelazada de la interacción entre los seres humanos, las máquinas y la naturaleza. Mu Tuan es un artista y un curador independiente que vive en Taipéi. Él busca la manera en la que los nuevos medios puedan reinterpretar la visión del mundo singular de la cultura asiática, usando enfoque poético para explorar la percepción y el pensamiento humano en esta era de la tecnología y combinando medios como la IA, la realidad extendida (XR), la animación 3D y la instalación. Sus obras de arte han sido presentadas en un gran número de exposiciones internacionales, incluyendo la Bienal de Durrës, el Festival de Arte Digital de Atenas, la Exhibición de Arte Digital de Asia, el CutOut Fest, el Festival de Nuevos Medios de Miami, el Festival Internacional de Videoarte Now & After, el Pabellón de Taiwán, evento colateral de la Bienal de Venecia, Festival ECRA, el Festival CineGlobe y el CYFEST Media Art Festival. / tuanmu.art

Eric Vernhes

Línea de Fuga

instalación, 2017 Max/MSP, Jitter; computadora, 2 pantallas, cámara, monitor de sonido, estructura de acero, soldadura Porque no sabemos cuándo nos vamos a morir, pensamos que la vida es un pozo inagotable. Pero todo pasa sólo un cierto número de veces, de hecho, muy pocas veces. ¿Cuántas veces más vas a recordar una cierta tarde de tu infancia, una tarde que es tan profundamente parte de tu ser que ni siquiera puedes imaginar tu vida sin ella? Quizá cuatro, cinco veces, quizá ni siquiera eso. ¿Cuántas veces más verás salir la luna llena? Quizá 20. Y, sin embargo, todo parece ilimitado. — Paul Bowles, El Cielo protector Línea de Fuga representa estas imágenes particulares de las que habla Paul Bowles en las cuales el flujo de la vida tropieza. Las tomas del video de algunos de estos momentos se deslizan a través de la superficie de una pantalla horizontal. Estás imágenes se colocan aleatoriamente bajo una cámara de observación que las transmite en una segunda pantalla como continuidad cinematográfica. En esta pantalla se condensan el nacimiento del tiempo y la descomposición de los momentos destacados de la línea de vida de la “película”. A menudo la cámara vuelve a grabar las imágenes que acaba de tomar. El proceso de “retroalimentación” provoca una degradación en la calidad de las imágenes, evocando el proceso de erosión de la memoria y la finitud. Eric Vernhes es un artista de medios basados en el tiempo. Vive y trabaja en Francia. Desde el 2000 ha estado diseñando e implementando herramientas informáticas que le permitan condensar la edición, el procesamiento de imágenes/sonido y transmitir etapas de transmisión en un solo procedimiento. Rodeado de músicos improvisadores, crea las representaciones teatrales en las cuales la creación de imágenes digitales y la música provienen del mismo momento y expresión, ya sea en las modalidades de interacción o gracias al dominio de la improvisación de la imagen que es posible por el por el desarrollo de interfaces específicas. En 2008 dio un giro hacia la creación de dispositivos e instalaciones cinéticas, visuales y sonoras, programando su comportamiento de acuerdo con las lógicas auto generativas, interactivas o híbridas. Los procedimientos digitales que usa se extraen del contexto técnico para servir a un discurso atemporal inspirado por la literatura y la filosofía. Representado en París por la Galería Charlot, su trabajo es parte de muchas fundaciones privadas (Fundación Artphilein, Lugano — Stuart Frankel, Chicago — New Art Foundation, Barcelona, etc.).

Mathieu Zurstrassen

/Portal antípoda/

instalación sonora, 2023 acero inoxidable, sistema electrónico, bocina, grabación de campo [04:00:00, sonido de un solo canal, en bucle] Un punto antípoda hace referencia a dos puntos diametralmente opuestos en la superficie de una esfera. La propuesta para el CYFEST busca conectar metafóricamente el espacio de la exposición a su opuesto geográfico. Esta ubicación se encuentra hacia el sureste del Océano Índico cerca de las Islas Kerguelen, específicamente más o menos a 650 kilómetros al suroeste de las islas, en el mar abierto. La propuesta reflexiona sobre lo invisible, lo que no puede verse a primera vista, lo que hay más allá de las barreras insuperables. Es una apertura a un viaje a través de la imaginación. La instalación se inspira en el aire de los tubos de ventilación que se encuentran en los edificios viejos, la percepción de las discusiones poco apagadas y que apenas se escuchan, los trozos descontextualizados de una vida desprovista de elementos visuales que actúan como un catalizador cerebral y abren el campo de la imaginación. Mathieu Zurstrassen es un arquitecto calificado quien desde el 2013 tomó el camino de las artes visuales. Al diseñar objetos, se aleja de la proyección del dibujo y se concentra en la experimentación de la construcción. Él le da un valor agregado a su obra, simbólico y filosófico, sobre la calidad de lo invisible y las relaciones que se crean así/así creadas entre el emisor y el receptor. Usa los códigos de la artesanía para resolver problemas estéticos que suelen estar en los confines de lo inmencionable. Con un enfoque altamente técnico, Mathieu Zurstrassen combina la ambigüedad de los materiales, un pensamiento poético hecho de humor y delicadeza. Ha expuesto en varios eventos, galerías y festivales tales como el Festival KIKK o el Ars Electronica o la Bienal de Venecia.

EXIBITION

Liudmila Belova

Pastorale

CYLAND Audio Archive

​

Alexandra Dementieva

Memory's Chopper

Anna Frants

To Make a Long Story Short

Alexey Grachev

Weather Station 1, Atmospheric-Acoustic Transducer

Elena Gubanova & Ivan Govorkov

Stardust

Heejeong Jeong

Sweet home

Anton Khlabov

Imaginary Center of a Circle

Anna Kim

Invisible Cities: <OPIM>

Kira Kim

Blind and Mute

Sergey Komarov & Lidiia Griaznova

Time Signals / Pulsars

Gustavo Matamoros

Memorial

Fabrizio Plessi

Energy

Mariateresa Sartori

The Pathetic Ones

Dmitriy Shishov

Corrasion

Hugo Solis

Performative Metaphor

Alba Triana

Dialogue with the Primordial Sea

Mu Tuan

Calligrapedia: A Universal Algorithm #2

Eric Vernhes

Ligne De Fuite (Vanishing Line)

Mathieu Zurstrassen

/antipodal Portal/

Liudmila Belova

Pastoral

CYLAND Audio Archive

​

Alexandra Dementieva

Trituradora de la memoria

Anna Frants

Para no hacer una historia larga

Alexey Grachev

Estación meteorológica núm. 1, Transductor atmosférico acústico

Elena Gubanova & Ivan Govorkov

Polvo de estrellas

Heejeong Jeong

Dulce hogar

Anton Khlabov

El centro imaginario del círculo

Anna Kim

Ciudades Invisibles: <OPIM>

Kira Kim

Sordos y ciegos

Sergey Komarov & Lidiia Griaznova

Señales Horarias / Pulsares

Gustavo Matamoros

Memorial

Fabrizio Plessi

Energía

Mariateresa Sartori

Los patéticos

Dmitriy Shishov

Abrasión

Hugo Solis

Metáfora Performática

Alba Triana

Diálogo con el mar primigenio

Mu Tuan

Calligrapedia: Un algoritmo universal #2

Eric Vernhes

Línea de Fuga

Mathieu Zurstrassen